Archives par mot-clé : comte d'Artois

“Les Baisers” de Dorat, le mariage du dauphin et le parti anti-autrichien

On l’a vu dans le précédent billet, le tableau de Lagrenée l’aîné, Les deux veuves de l’Indien, répondait notamment à la pièce de Lemierre, La Veuve du Malabar. Imprimée en 1780, cette pièce est précédée d’un hommage au poète Claude-Joseph Dorat qui était décédé le soir de la première. Cet hommage a tout l’air d’être ironique dans la mesure où Lemierre et Dorat poursuivaient des buts contraires. En effet, dès l’arrivée de Marie-Antoinette  en France, Dorat avait fait partie de ceux qui s’étaient attachés à la discréditer. Au moment de son mariage avec le dauphin, le 16 mai 1770, il avait fait paraître Les Baisers, une série de poèmes érotiques précédée du Mois de mai, des vers qui célébraient ce mariage, le tout assez copieusement illustré de gravures parfois bien explicites. Ainsi, une femme se masturbe en lisant Dorat en ouverture de l’Hymne au baiser.

Ce que le texte ne pouvait pas dire ouvertement, l’illustration et le paratexte se chargeaient de le traduire pour le public, comme on va le voir.

Des réflexions préliminaires peu appropriées au contexte

Intéressons-nous tout d’abord aux assez longs propos préliminaires dans lesquels Dorat fait part de réflexions relativement mal adaptées au contexte. Ainsi, sur le mariage : “le mariage n’est autre chose qu’un contrat illusoire rédigé par un notaire, ratifié par un curé, entre deux personnes qui s’unissent pour ne point vivre ensemble.” (p. 12) et il poursuit en expliquant que cet état de fait conduit les maris à mépriser leurs femmes, ce qui justifie en retour l’infidélité féminine  :

“Soyons vrais. L’honnêteté (celle du sexe surtout) se décourage bientôt quand elle est sans récompense. On commence par les pleurs, l’ennui succède, l’exemple gagne, et l’on préfère enfin l’étourdissement du plaisir à cette morale gênante qui afflige l’esprit, tourmente le cœur, et ne tranquillise que la conscience. D’ailleurs, il est bien doux pour une femme de se venger, par l’apparence du bonheur, du despote indifférent qui lui en ôte la réalité, en dépouillant ses devoirs du charme consolant que l’Amour leur imprime et dont rien ne dédommage. De là cette inconduite, ces écarts, ce délire de tête que souvent l’âme désavoue.” (p. 13-14)

Quand bien même Dorat conclut son poème du Mois de mai en exhortant les jeunes mariés à rester amants plutôt qu’époux :

“Remplissez notre espoir : fiers du titre d’amants

Ne vous croyez époux qu’au centième printemps” (p. 48),

se proposer de célébrer un mariage en commençant par dénigrer cette institution qui serait porteuse en elle-même de l’infidélité de ceux qu’elle unit, c’est pour le moins maladroit.

Au demeurant, les réflexions de Dorat sur le mariage étaient appelées à un brillant avenir puisque l’on y reconnaît aisément la thèse développée en 1932 par Stefan Zweig dans sa biographie de Marie-Antoinette. Ainsi, Zweig reprenait les arguments qui furent initialement ceux du parti anti-autrichien pour les retourner au profit de la reine. Chez lui, ce n’est plus l’institution du mariage qui doit être mise en cause mais le seul comportement de Louis XVI.

Une gravure qui précise les intentions malveillantes du poète

Mais le Mois de mai est surtout accompagné d’une gravure, dont Charles Eisen a réalisé le dessin et qui fut gravée par Joseph de Longueil, qui permet d’autant moins de douter des intentions malveillantes de Dorat.

On y voit le dauphin et la dauphine réunis autour d’un autel de l’Hymen qui est placé dans un petit temple. Première incongruité : au fronton de ce temple s’étale bien visiblement l’aigle bicéphale autrichien, les armes de France sont absentes. Mieux encore, deux putti entourent l’aigle et chacun porte une couronne, que l’on pense destinées au dauphin et à la dauphine mais qu’ils s’apprêtent à poser sur chacune des têtes de l’aigle.  En conséquence, l’Autriche semble être la seule véritable bénéficiaire de cette alliance.

L’image se montre ici bien plus critique que le poète qui se contentait de faire référence à l’aigle de Jupiter et n’oubliait pas la France en écrivant :

“Un aigle sur le faîte enchaîné par Cypris,

Laisse tomber la foudre et joue avec les lis.” (p. 45).

Plus bas, deux nouveaux putti descendent porter d’autres couronnes au dauphin et à la dauphine mais ce ne sont que des couronnes de fleurs.

Ces couples de putti, si l’on suit le poème, représentent le mois de mai en ce qu’ils figurent le signe des Gémeaux :

“Le Soleil, le front ceint de rayons salutaires,

Entre, pendant ton cours, au signe des deux frères.” (p. 40)

et

“Les Gémeaux sur l’autel suspendent deux couronnes” (p. 45).

Cette référence au zodiaque, qui parsème le poème, est également visible dans la gravure à travers la frise en arc de cercle qui surmonte l’autel. Ce type de représentation est assez fréquent et on s’attend à y voir figurer les signes du zodiaque dans l’ordre chronologique, or ce n’est pas le cas ici. Ainsi, si les Gémeaux sont au centre, ils devraient être entourés du Taureau et du Cancer. Or à droite, on voit manifestement la Vierge et à gauche, la Balance. Tout aussi incongrûment, plus loin à droite on voit le Verseau et plus loin à gauche, le Scorpion ou le Cancer, difficile à identifier précisément parce qu’on ne le voit pas en entier. Le poème ne nous aide que modérément à comprendre ces choix puisque le seul autre signe qu’il mentionne explicitement, c’est le Verseau mais là encore, Dorat mentionnait lui-même le Verseau en dépit d’une véritable logique chronologique. Il se réjouit en effet de l’arrivée du mois de mai pour la raison que : “Nous avons trop gémi sous le triste Verseau.” (p. 33. Je renvoie à une autre édition car il y a eu une erreur de numérisation – la page est manquante – dans celle de meilleure qualité que j’utilise dans ce billet). Le Verseau se retrouve ainsi à symboliser l’hiver alors qu’il en annonce surtout la fin.

Un jeu avec les signes du zodiaque en clefs de lecture

Que comprendre de tout cela ? Manifestement que la référence au zodiaque n’est pas employée pour poétiser le cycle des saisons mais qu’elle sert plutôt à donner des clefs de lecture. Si le Verseau devient le symbole de l’hiver, c’est probablement surtout parce que Louis XV était Verseau. En 1775, comme on l’a vu, Jean-Jacques Lagrenée choisira également de représenter le règne de Louis XV comme l’hiver pour la galerie d’Apollon du Louvre. En se plaignant du Verseau, Dorat formule en réalité une critique du règne de Louis XV1.

Mais si le Verseau est relativement transparent, il est plus difficile d’identifier les personnages auxquelles renvoient les autres signes. Une chose est frappante cependant : l’absence du Lion, signe du dauphin. L’aigle bicéphale éclipsait les armes de France et les représentations zodiacales évincent le dauphin.

Pour le reste, tentons une hypothèse. De part et d’autre des Gémeaux, les signes sont présentés en couple et ils rejouent donc en quelque sorte le couple uni à l’autel. A droite, nous avons le Verseau et la Vierge. Le Verseau, nous l’avons dit, renvoie manifestement à Louis XV. En ce cas, la Vierge, qui se trouve au-dessus de Marie-Antoinette, pourrait tout simplement désigner la jeune mariée. On aurait une nouvelle critique de Louis XV qui, dans son rôle d’amateur de jeunes vierges du Parc-aux- Cerfs, se réserverait la virginité de la dauphine.

De l’autre côté, s’il s’agit bien d’un Scorpion plutôt que d’un Cancer, il désignerait à nouveau Marie-Antoinette, présentée sous son signe astrologique cette fois. Quant à la Balance, figurée au-dessus du jeune marié, c’est le signe du comte d’Artois que Louis XVI, comme on l’a vu, n’hésitera pas à donner comme le père de sa fille au Salon de 1781. Dépucelée par Louis XV, la jeune mariée passerait ensuite au comte d’Artois. Ainsi, le mois de mai intéresserait Dorat à plus d’un titre. C’est certes le mois pendant lequel s’est déroulé le mariage mais c’est aussi, et il insiste là-dessus, le mois des Gémeaux, qu’il appelle aussi les deux frères et qui peuvent évoquer le dauphin et son frère Artois ; un frère épouse mais passe pour impuissant et l’autre engrosse.

Le mois de mai est aussi, dans le poème de Dorat, celui de la naissance de l’Amour (p. 37, p. 40) dont on nous dit que : “La lampe nuptiale à son flambeau s’allume” (p. 47). Or sur la gravure, l’Amour est représenté devant l’autel et on voit qu’il a laissé tomber son flambeau. Il a donc échoué à allumer la lampe nuptiale. De la même manière, il joue avec les amants :

“Tour à tour, il vous cache, il vous rend la lumière,

Et se sauve en riant dans les bras du Mystère.” (p. 47).

et Eisen nous le montre ayant enlevé son bandeau et regardant vers la dauphine, le bandeau toujours en main, comme s’il était sur le point d’aller lui cacher la lumière et de la plonger elle aussi “dans les bras du Mystère” pour qu’elle ne sache pas qui lui fait connaître l’amour.

Des Baisers aux Amours de Charlot et Toinette

Que ce Mystère prenne notamment l’apparence d’Artois expliquerait mieux pourquoi on peut trouver une édition des Amours de Charlot et Toinette datée de 1770. La date est considérée fausse par Pascal Pia et on reporte en conséquence aujourd’hui la première édition à 1779. Néanmoins, dans l’esprit des Baisers de Dorat, il est envisageable qu’une première édition du pamphlet décrivant les relations amoureuses de Marie-Antoinette et du comte d’Artois, légèrement différente de l’édition de 1779, ait paru dès l’époque du mariage, ce qui aurait facilité les projets du parti anti-autrichien qui voulait faire annuler le mariage. Après tout, si le pamphlet démarque La Pucelle d’Orléans de Voltaire comme l’a mis en évidence Catriona Seth2, le pastiche a d’autant plus de sel s’il y est réellement question d’une pucelle.

Ce contexte dans lequel, dès son arrivée en France, on avait encouragé le public à voir Marie-Antoinette comme une créature voluptueuse explique mieux également pourquoi elle redoutait d’être comparée à Vénus et qu’elle faisait savoir qu’elle lui préférait la comparaison avec Minerve.

  1. Voir également le billet sur l’Aspasie de Bouliard pour d’autres usages des signes du zodiaque pour désigner des personnes. []
  2. Elle aborde la question de la datation du pamphlet et ce qu’il doit à La Pucelle d’Orléans dans « D’Agnès Sorel à Marie-Antoinette ou Beaumarchais a-t-il récrit La Pucelle ? », Revue Voltaire, 9, 2009, p. 109-117. Article téléchargeable gratuitement sur le site des PUPS []

21 janvier 1782, le cheval de Troie à Paris

Le 21 janvier 1782, la ville de Paris reçut Marie-Antoinette et Louis XVI  en grande pompe afin de célébrer la naissance du dauphin. Cette cérémonie s’inspirait évidemment de celle, analysée dans le précédent billet, qui avait eu lieu le 7 septembre 1729 pour Louis XV. Cependant, en 1782, elle eut lieu trois mois après la naissance de l’enfant, et non pas trois jours après comme en 1729. Comment l’expliquer ?

Ce choix laisse surtout penser que c’était la reine qui était aux commandes. En effet, il n’était pas possible pour cette dernière de participer à une telle cérémonie avant la fin de la période des relevailles. Attendre janvier, c’était attendre la reine et la placer au cœur de la cérémonie. C’était aussi montrer que la ville de Paris restait fidèle à elle-même et qu’elle faisait le choix du conservatisme : elle avait préféré Louis XV à  Marie Leszczynska en 1729, elle préférait Marie-Antoinette à Louis XVI en 1782. Dans cette affaire, le roi voulait paraître contraint de suivre sa femme et il fit tout pour matérialiser leur mésentente. Ainsi, ils firent le voyage séparément et à des moments différents de la journée. La Gazette de France précise ainsi que la reine est partie de la Muette à 9h30 pour se rendre à Notre-Dame, à Sainte-Geneviève et enfin à l’Hôtel de ville. Le roi, quant à lui, est parti également de la Muette mais seulement à 12h30 et pour se rendre directement à l’Hôtel de ville. Cela y faisait arriver la reine bien avant le roi. Elle avait donc le temps de donner ses instructions aux corps de ville pour que tout se déroule selon ses volontés à elle. C’est un peu comme si elle recevait le roi chez elle.

Cela est important car, pendant le repas, comme le mentionne toujours la Gazette, le comte d’Artois se trouva placé à côté de la reine, tandis que le comte de Provence était à côté du roi. Or Louis XVI voulait laisser penser que le dauphin était le fils du comte d’Artois. Enfin, bien qu’ils fassent le même parcours au retour, le roi et la reine sont à nouveau partis séparément et à des moments différents. D’autre part, d’après les Mémoires secrets1, le roi aurait quitté la table très rapidement, ce qui a frustré sa suite puisque dès que le roi sortait de table, tout le monde faisait de même. Ainsi, les ducs et pairs n’auraient eu le temps que de déguster du “beurre et des raves”. Évidemment, pour Louis XVI, c’était intentionnel : il ne voulait pas laisser profiter de la fête ceux qui accouraient pour se faire les complices de la reine.

Les gravures de Moreau le Jeune, destinées à perpétuer le souvenir de l’évènement, font également la part belle à la reine.

Ainsi, Moreau ne représente que l’arrivée de la reine, pas celle du roi. D’autre part, il choisit également de mettre en valeur deux colonnes (symboles phalliques) construites pour le décor et supportant des dauphins, manière de signifier que la reine assumait totalement l’adultère.

Pour son estampe du Festin royal, c’est encore la reine qui, la tête tournée vers le public, donne des ordres, comme si elle était bien chez elle. En outre, incidemment, l’artiste place sur le même plan la reine et la comtesse du Barry. En effet, la composition de son estampe s’inspire très exactement de celle qu’il avait réalisée, en 1771, pour une fête donnée chez elle, à Louveciennes, par Madame du Barry.

Dans le même ordre d’idée, les trois mois écoulés depuis la naissance du dauphin avaient également  été mis à profit pour semer le doute quant à la légitimité de l’enfant. Ainsi, dès le 25 octobre 1781, sous prétexte de célébrer l’illustre naissance, le lieutenant général de police Lenoir avait fait libérer toutes les prostituées de la prison de Saint-Martin-des-Champs, une démarche inédite qui laissait penser que la reine tenait à rendre un service signalé à ses consœurs2.

Enfin, le choix de la date n’avait rien d’anodin non plus. Le 21 janvier, c’était l’anniversaire de la journée des Farines, pendant laquelle Henri IV avait employé la stratégie du cheval de Troie pour tenter de s’emparer de Paris. En 1782, le roi laissait penser que c’est la reine qui employait cette même stratégie pour légitimer à Paris un dauphin bâtard, enfant que le roi ne pouvait toutefois pas rejeter parce qu’il serait prétendûment le fils de son frère, le comte d’Artois. Tout cela était faux mais le roi était prêt à tout pour discréditer une reine qu’il lui devenait difficile de répudier après la naissance d’un dauphin. Celui qui était réellement à la manœuvre en cette journée, c’était lui. Alors que Louis XV avait utilisé la cérémonie parisienne pour faire savoir que le dauphin était un bâtard, Louis XVI employait la même stratégie mais dans le but de nuire à la réputation de la reine et, avec elle, de l’enfant légitime qu’on l’avait forcé à lui faire. On en déduit que Louis XVI ne s’entendait manifestement pas aussi mal avec le prévôt des marchands Caumartin qu’il ne le laissait paraître. Dès lors, on comprend mieux le parallèle que faisait Ménageot entre la Chambre des lords corrompue par Louis XVI et le Bureau de la ville de Paris.

Je n’énumère dans ce billet que quelques-uns des stratagèmes employés alors contre la reine. Ils mériteraient certainement une étude complète dans un article plus long afin de retracer tous les enjeux d’une journée que Marie-Antoinette dut trouver interminable. Il me semble néanmoins utile de citer l’un des pamphlets que le libraire Prosper-Siméon Hardy vit affiché dans les rues. La place de Grève pouvait en effet accueillir les festivités de la ville de Paris, mais elle accueillait également les exécutions capitales et c’est ce parallèle qui est ici exploité en expliquant que le roi et la reine “conduits sous bonne escorte en place de Grève”, confesseraient leurs crimes à l’Hôtel de ville et “qu’ils monteraient sur un échafaud pour y être brûlés vifs3.”

Onze ans plus tard, on s’en souvenait manifestement encore et d’autres surent se servir de la stratégie du cheval de Troie. Alors que, comme je le montre dans L’Intrigant, c’est l’Angleterre qui avait obtenu la mise à mort de Louis XVI, le choix du 21 janvier tendait à rejeter la responsabilité sur l’Autriche qui, à travers cette date symbolique, aurait enfin obtenu la vengeance de Marie-Antoinette pour 1782. On comprend d’autant mieux que les Habsbourg n’aient rien pu tenter pour sauver Marie-Antoinette de la mort, le faire, c’était incontestablement donner du grain à moudre à l’Angleterre.

  1. Mémoires secrets, t. XX, 1783, p. 45. []
  2. Voir Pauline Valade, Le goût de la joie. Réjouissances monarchiques et joie publique à Paris au XVIIIe siècle, version électronique, Chapitre V dans “Le geste des autorités urbaines”. []
  3. Cité par Félix Hocquain, L’Esprit révolutionnaire avant la Révolution, Paris, 1878, p. 398. []

1783, Ménageot et l’affaire de l’échange du dauphin

Au Salon de 1781, Ménageot avait exposé un tableau sur la mort de Léonard de Vinci qui cachait une menace de mort envers Louis XVI. En 1783, poursuivant sur sa lignée de tonton flingueur, le même artiste s’intéressa cette fois à la naissance du dauphin, survenue le 22 octobre 1781.

Il exposa ainsi un tableau allégorique sur la naissance royale, dont la notice nous apprend qu’il fut commandé par la ville de Paris.

Le musée Carnavalet en possède l’esquisse et le musée du Louvre, le tableau final.

François-Guillaume Ménageot, Allégorie de la naissance du dauphin, le 22 octobre 1781, huile sur toile. 1783, Musée Carnavalet.
François Guillaume Ménageot, Allégorie de la naissance du dauphin, le 22 octobre 1781, huile sur toile, 1783, Musée du Louvre.

Le livret du Salon décrit l’œuvre de cette manière :

“La France tient entre ses bras le Dauphin ; la Sagesse le précède et la Santé le soutient. A sa suite sont la Justice, la Paix et l’Abondance. Sur un perron, à droite, le corps de Ville vient recevoir le Dauphin et remercie le ciel du présent qu’il vient de faire à la France. Du côté opposé, le peuple en foule exprime, par son empressement, la joie et la félicité publique. Dans le fond du tableau est la pyramide de l’Immortalité, ornée des portraits du roi et de la reine. On aperçoit au haut de ce monument, la Victoire qui y grave l’époque de la naissance du prince, ce qui fait allusion à la prise de Yorktown dont la nouvelle est arrivée le jour même de l’accouchement de la reine.”

Ce tableau est tout aussi problématique que le Léonard et la notice du livret le révèle à demi-mot en ajoutant une précision concernant Yorktown. La victoire étant intervenue le 19 octobre 1781, il était parfaitement impossible que la nouvelle en ait été connue en France seulement trois jours plus tard. Pour ce faire, il aurait fallu que l’issue de la bataille ait été connue avant même qu’elle ne commence. Et en effet, c’est ce qui s’est produit : l’Angleterre s’engageait à laisser la victoire aux indépendantistes si Louis XVI faisait un nouvel enfant à Marie-Antoinette 1.  C’est cela que le livret de l’exposition laisse entendre. Il se sert du tableau controversé de Ménageot pour placer une autre vérité controversée : la victoire de Yorktown était une fausse victoire, fruit d’une pression exercée sur la France par l’Autriche soutenue par la Russie et l’Angleterre. Le duel entre Ménageot et le roi, initié en 1781, se poursuivait.

Mais qu’est-ce que le tableau de Ménageot nous dit, lui ?

Reprenons la notice : “La France tient entre ses bras le Dauphin ; la Sagesse le précède et la Santé le soutient. A sa suite sont la Justice, la Paix et l’Abondance.”

“La France tient entre ses bras le Dauphin”. Il serait plus juste de dire que la France, représentée par la Monarchie, fait la fine bouche. Elle ne tient rien du tout et elle désigne de sa main droite la figure de l’Abondance, qui regarde ses fruits tristement. Quant à la Sagesse, elle se tient dans l’ombre de la France et regarde le corps de ville d’un air outré. C’est la Santé qui tient l’enfant. Elle semble même plutôt se cacher derrière lui pour mieux dissimuler son air embarrassé. Cette Santé est en outre vêtue en bleu céleste, le bleu protestant.

Il y a manifestement un malaise dans ce tableau de Ménageot. Pourquoi la France désigne-t-elle l’Abondance et pourquoi cette dernière a-t-elle l’air contrarié ? On peut y voir une référence à la peinture de Vigée Le Brun, La Paix ramenant l’Abondance, dans lequel l’Abondance était représentée par Marie-Philippine Lambriquet, la première maîtresse du roi. Comme chez Vigée Le Brun, elle a la tête ornée d’une couronne de roses. Le geste de la France laisserait donc supposer que le Dauphin, tout comme Madame Royale, a été échangé avec un enfant que le roi a eu avec Marie-Philippine Lambriquet.

Au-dessus, avec la Paix et la Justice, on aurait deux représentations de Françoise Boze, pour l’identité Waldburg-Frohberg qu’elle employait à la cour, et sa véritable identité de Françoise Boze. En effet, dans la Paix ramenant l’Abondance, elle était la Paix et chez Lagrenée le jeune, la notice du Salon l’avait désignée comme la Justice. Les deux figures reprennent aussi les attitudes de la Paix et l’Abondance chez Vigée Le Brun, laissant entendre que le roi n’avait plus qu’une seule maîtresse mais qu’elle avait deux noms. C’est encore certainement Françoise Boze qui représente la Santé protestante, elle se cache parce que Françoise était une protestante cachée.

Poursuivons avec la notice : “Sur un perron, à droite, le corps de Ville vient recevoir le Dauphin et remercie le ciel du présent qu’il vient de faire à la France.”

Ce corps de ville présente des traits très parlants. Au premier plan, un groupe de trois hommes vêtus de rouge se détache, tous les trois ont un nez bourbonien. On pourrait donc y voir une allusion à Louis XVI, Provence et Artois. Derrière eux, deux hommes tournent la tête vers la gauche, dans l’attitude de Madame Grand sur le tableau de Vigée Le Brun. Ils ont un visage très similaire, on dirait le même homme à deux âges différents et son visage n’est pas sans rappeler celui du comte d’Artois. On peut voir ici une référence aux tableaux de Lagrenée l’aîné au Salon de 1781, et plus particulièrement à sa Visitation de la Vierge,  dans lequel il fallait comprendre que Louis XVI laissait entendre que c’était Artois le père du dauphin, lui n’étant plus déjà qu’un vieillard impuissant. Toutes les figures fonctionnent par trois et par deux dans ce groupe d’hommes. Chacun a son double et son triple avec le visage dans la même attitude ou le même profil. Il n’y a que celui qui regarde le public en face qui n’a pas de double, peut-être une façon, pour Ménageot, de se représenter lui-même.

Notons également que si ces hommes portent la tenue des échevins, il s’agit d’une tenue rouge qui rappelle aussi celle de la Chambre des lords, chambre que Louis XVI avait corrompue avec l’aide de Françoise Boze pendant la guerre d’Amérique2.

“Du côté opposé, le peuple en foule exprime, par son empressement, la joie et la félicité publique”. Ce peuple en foule est surtout représenté par un couple avec un enfant. Ils tendent les bras vers le dauphin mais ils ne semblent pas l’acclamer, on dirait plutôt qu’ils essayent de récupérer ce qu’on vient de leur prendre. Le dauphin est porté, dans un mouvement ascendant, du peuple vers la Monarchie tandis que l’enfant du couple, et dont il se désintéresse, est tourné vers le bas, comme s’il venait de leur être donné d’en haut. En outre, c’est un enfant blond alors que le couple est brun. Ménageot met en scène l’idée d’un échange d’enfants. Il confirme donc bien que ce qui s’était passé avec Madame Royale s’est reproduit avec le dauphin : les enfants de Marie-Antoinette ont été échangés, par le roi, avec des enfants qu’il avait eus avec ses maîtresses.

“Dans le fond du tableau est la pyramide de l’Immortalité, ornée des portraits du roi et de la reine. On aperçoit au haut de ce monument, la Victoire qui y grave l’époque de la naissance du prince”

Cette “pyramide de l’Immortalité” ressemble surtout à un obélisque dans la lignée de celui de Port-Vendres. Comme je l’explique à propos de ce monument, c’est sous cette forme, plutôt qu’en statue, que Louis XVI préférait être représenté. L’obélisque est un symbole phallique et il joue parfaitement ce rôle ici. Quand on y regarde de plus près (voir sur le site du Louvre.) , les profils qui y sont exposés ressemblent fort peu à celui du roi et de la reine. On dirait plutôt des profils d’enfants, un garçon et une fille, dans des médaillons ovales qui rappellent ici des œufs. L’obélisque indique donc que le roi n’était pas du tout impuissant mais qu’il n’était consentant à décharger que dans l’adultère. La Victoire qui vient graver sur l’obélisque est en effet vêtue en lilas rosé, comme chez Vigée Le Brun encore une fois. Elle tient aussi une couronne de laurier pénétrée par un rameau, ce qui mime l’acte sexuel. Ce rameau rappelle aussi la correspondance de Joseph II sur Louis XVI : “il faudrait le fouetter pour le faire décharger de colère comme les ânes.3. Par rapport à cet obélisque phallique, la Paix et la Justice tiennent aussi la place des testicules et, comme on l’a vu, ce sont deux allusions à Françoise, celle qui sait le stimuler avec sa poitrine comme la Paix, le masturber comme la Justice le fait avec son épée et enfin le faire décharger comme la Victoire. Bien que le roi ait laissé entendre que l’enfant échangé avec le fils de Marie-Antoinette était celui de Marie-Philippine Lambriquet, il s’agissait en fait plus vraisemblablement du fils de Françoise Boze. Malgré les écrans de fumée violacée qui entourent la scène, l’illusionniste a été percé à jour et Ménageot ne voulait pas se taire : il voulait informer le public de l’échange mais il voulait aussi lui désigner la véritable mère du dauphin.

Pour finir, remarquons l’une des principales différences entre l’esquisse et le tableau final. Sur l’esquisse, la Santé était une figure bien plus ambivalente (Zoomer sur le site du Musée Carnavalet). Elle était accompagnée d’un caducée qui pouvait l’apparenter à Mercure, comme Françoise Boze au Salon de 1781,  portait une étole jaune symbole de trahison et était suivie par un putto avec un coq, animal symbolisant la France. Le putto représentait dès lors plus clairement Louis XVI, comme dans la Laïs de Lagrenée l’aîné dont il reprenait l’attitude

  1. Voir L’Intrigant, p. 190-191. []
  2. Voir L’Intrigant, p. 193. []
  3. Voir L’Intrigant, p. 147. []

Lagrenée le jeune, la peinture religieuse et l’échange des enfants

Poursuivons l’exploration des œuvres de Lagrenée le jeune exposées au Salon de 1781 que nous avons entamée avec le précédent billet.

Les deux premiers tableaux exposés titillaient le roi en douceur. Il s’agissait d’un Baptême du Christ et d’une représentation des Noces de Cana destinés à orner la chapelle du château de Fontainebleau. Le livret précise qu’ils sont de forme ovale. Si le livret le précisait, c’est que ça n’était pas un format usuel. Ici, ce format portait une dimension suggestive invitant à y voir une forme de vulve. Sans ouvertement donner dans des grivoiseries à la Boucher, Lagrenée suggérait néanmoins qu’il n’allait pas seulement être question de peinture religieuse.

Comme ceux de la chartreuse de Montmerle, ces tableaux s’inspiraient de la correspondance amoureuse de Louis XVI qui lui avait été dérobée. Ils se moquaient du fait que Louis XVI ne s’intéressait à la religion que lorsqu’il y trouvait un intérêt, plus particulièrement si cela pouvait lui servir à séduire une femme.

La principale particularité de ces tableaux, c’est que nous sommes ici face à deux représentations du Christ très différentes alors qu’il s’agit du même peintre et de la même série. Il y a là une incohérence. On y prêtait particulièrement attention parce que, par exemple, on avait demandé aux artistes réalisant une série sur la vie de saint Louis pour l’École militaire de se mettre d’accord entre eux pour obtenir une uniformité dans la représentation des personnages. Et lorsque les toiles furent exposées au Salon de 1773, ce manque d’uniformité leur fut reproché1

Dans le premier tableau de Lagrenée le jeune, le visage du Christ est inspiré par celui de Louis XVI. Dans le second tableau, c’est le vieillard en face du Christ qui reprend les traits de Louis XVI.

Dans Les Noces, le visage du Christ s’inspire en revanche de celui de Jean-Baptiste dans Le Baptême. C’est comme si nous avions d’un côté, dans le Baptême, un Jean-Baptiste âgé et un Christ jeune et, d’un autre côté, dans Les Noces, un Jean-Baptiste jeune qui tient le rôle du Christ face à  un vieillard qui personnifie un Christ âgé.

Lagrenée répond en fait à son frère aîné, et plus particulièrement à sa Visitation et à son Sara et Agar, dont il a été question ici. En effet, le Baptême du Christ montre à l’état adulte ceux qui n’étaient encore qu’à l’état de fœtus dans la Visitation. Pour Les Noces de Cana, il s’inspire du vieillard qui représentait Abraham dans Sara et Agar.

Avec son Christ différent d’un portrait à l’autre, avec l’échange des personnages et avec le choix de représenter Les Noces de Cana qui montrent le moment d’un échange : celui de l’eau en vin, Lagrenée suggère que nous ne sommes pas face au même Christ et qu’il y a eu un échange. Il y a eu un échange des Christs entre le moment du baptême et celui des noces. Lagrenée matérialise là la menace que faisait peser Louis XVI dans le tableau de La Visitation  : échanger l’enfant de la reine avec l’enfant de sa maîtresse. En effet, avec son long bâton, le jeune homme à l’arrière-plan apparaissait comme le géniteur des enfants, mais il portait aussi sous le bras un gros ballot mystérieux qui faisait la taille d’un enfant. Seulement Louis XVI avait voulu faire croire que ce géniteur était son frère, le comte d’Artois. Lagrenée le jeune corrige en expliquant que le géniteur et le ravisseur d’enfants ne sont pas Artois mais Louis XVI : dans Le Baptême, il est assurément le père de Jésus puisqu’il a le même visage que lui. Cette affirmation est réitérée dans Les Noces : le vieillard qui a les traits de Louis XVI rappelle l’Abraham de Sara et Agar, donc celui qui sacrifie son enfant. Ce vieillard est d’autre part celui qui goûte l’eau miraculeusement transformée en vin par Jésus, il est celui qui est dans l’ivresse, expression qui revenait comme un leitmotiv dans la correspondance amoureuse de Louis XVI.

D’autre part, en destinant ces peintures à la chapelle de Fontainebleau, Lagrenée faisait référence au premier échange d’enfants pratiqué par le roi, celui de 1778, quand il avait échangé la fille qu’il avait eue avec Marie-Philippine Lambriquet et celle qu’il avait eue avec Marie-Antoinette2. C’est en effet pendant le voyage de la cour à Fontainebleau qu’il avait conçu son enfant avec Madame Lambriquet.

Ajoutons enfin qu’en imitant son frère pour lui répondre, Lagrenée le jeune rejouait lui-même le jeu du double. Et lorsque tout cela est exprimé sur ce carnet, l’affaire relève de plus en plus de la mise en abyme.

  1. Pour la demande d’uniformité voir : Mémoire sur les peintures de la chapelle de L’École royale militaire du 22 avril 1772, AN O/1 1606. Pour une critique du manque d’uniformité, voir Pierre Samuel Dupont de Nemours, Lettres de Du Pont de Nemours à la margrave Caroline-Louise de Bade, Paris, 1909, p. 14 : “aucune unité dans les personnages ni dans le costume ; dix rois différents, cinq ou six reines.” Sur le sujet, voir aussi : Frédéric Jimeno, « Le programme de peinture » et Anne Leclair, « la vie de saint Louis dans la chapelle », in L’École militaire et l’axe Breteuil-Trocadéro, Paris, Action artistique de la ville de Paris, 2002, p. 143-155 et 162-173. []
  2. Voir notamment ce billet et L’Intrigant p. 149-152. []

La prétendue femme adultère et la bataille de Yorktown

Au Salon de 1781, outre la volonté de reprendre en main le récit sur la découverte de sa correspondance amoureuse1, Louis XVI voulait protester contre ce que l’Autriche et l’Angleterre lui avaient imposé : faire un nouvel enfant à la reine, ce à quoi il se refusait, pour pouvoir sortir honorablement de la guerre d’Indépendance américaine par un arrangement entre les belligérants qui serait concrétisé à la bataille de Yorktown, selon un modèle proche de ce qui s’était passé lors du siège de Calais2.

Là encore, Louis-Jean François Lagrenée se trouvait en première ligne.

Le premier tableau qu’il présenta au Salon était en effet : Préparatifs du combat de Pâris et Ménélas.

Le tableau est ainsi décrit dans le livret du Salon :

“Pâris ayant proposé un combat singulier contre Ménélas, Priam et Agamemnon se réunissent, et, par des sacrifices et des serments, jurent à l’autel de Jupiter d’être fidèles à remplir les conditions du traité, par lequel Hélène et toutes les richesses appartiendront au vainqueur.”

On pouvait y voir une métaphore des accords que Louis XVI avait été contraint d’accepter pendant l’été. Alors qu’il proposait une guerre régulière entre l’Angleterre et les nouveaux États d’Amérique, un combat singulier en d’autres termes, les autres souverains, en premier lieu Joseph II, avaient préféré négocier tels Priam et Agamemnon. Il y avait eu des sacrifices : en l’occurrence Louis XVI obligé de sacrifier sa politique et de s’enfoncer toujours plus avant dans son mariage Habsbourg. Il est ici représenté par le mouton que l’on s’apprête à sacrifier comme un nouvel Agneau mystique. Néanmoins, tout cela se faisait apparemment en son nom : il est aussi représenté par le Jupiter, statufié et donc impuissant, qui refuse de baisser les yeux sur ceux qui sont sur le point de le trahir. Ce Jupiter a d’ailleurs suscité des sarcasmes si l’on en croit l’auteur de Examen d’une critique intitulée : le pique-nique préparé par un aveugle. Il évoque les “plaisanteries malhonnêtes” qui ont été faites sur ce Jupiter.

La scène a vraisemblablement été l’une des inspirations du Patriotisme français de Wille, dont il a été question ici. Le Mercure de France insiste d’ailleurs sur le côté théâtral des personnages de cette guerre de Troie. On y lit :

“son Agamemnon est un acteur qui joue un rôle, et il a plutôt l’air de défier le dieu, que de faire un serment à ses pieds. […] Ce serment des deux rois ferait un beau motif pour un duo d’opéra.”

Mercure de France, 6 octobre 1781, p. 19.

Au demeurant, il faut se rappeler que Jupiter incite Agamemnon à faire la guerre dans le but de ne lui donner qu’une victoire de courte durée et qu’il s’efface finalement devant Achille. S’il ne devine pas les desseins du dieu, Agamemnon va néanmoins faire la guerre pour perdre, tout comme le corps expéditionnaire français en Amérique. Pour l’Amérique, ce n’est toutefois pas Jupiter qu’il faut mettre en cause puisque Lagrenée nous le montre impuissant.

La fumée à l’arrière-plan peut représenter l’écran de fumée qui a transformé la trahison de Yorktown en victoire française et les charges d’artillerie des canons de Gribeauval, auxquels on devrait prétendument cette victoire.

Pour se venger de ce qu’on lui imposait, Louis XVI voulait apparemment laisser penser qu’il avait refusé l’accord et que l’enfant que la reine portait n’était pas de lui mais de son frère, le comte d’Artois. Au moins, si l’enfant lui ressemblait trop pour qu’il puisse le renier, il y aurait une bonne raison à cela. Il n’en resterait pas moins que, si l’on restait en famille, la reine aurait commis l’adultère et que ce serait une faute qu’il pourrait retourner contre elle.

C’est notamment l’idée qui se dégage de La Visitation de la Vierge, toujours exposée par Lagrenée.

Louis-Jean François Lagrenée, La Visitation de la Vierge, huile sur toile, 1781, Musée du Prado.

De manière fort inhabituelle, deux hommes tapis dans l’ombre accompagnent la Vierge et sa cousine. A droite, un jeune homme s’appuyant sur un long bâton, symbole phallique, est sur le point de rejoindre les deux femmes en marchant d’un air décidé. C’est lui qu’il faut assurément prendre pour “l’inséminateur”. A gauche, un vieillard figurant peut-être le mari d’Élisabeth, le prêtre Zacharie, prend des notes. Il rappelle le Saint Jérôme de François-André Vincent3, mais il est cette fois tout vêtu de bleu. On peut y voir une représentation d’un père de l’Église, lui aussi entouré de fumée. Contrairement à Jérôme, qui voulait écrire pour le peuple, ce personnage-là envisage plutôt de l’enfumer en lui faisant croire que des femmes peuvent tomber enceinte des œuvres de Dieu.

Le choix de représenter la Visitation pouvait se justifier d’autant mieux que la cousine de la Vierge se prénomme Élisabeth et qu’Élisabeth, la sœur de Louis XVI, s’était trouvée malgré elle au cœur de ces négociations. En effet, si Louis XVI refusait de faire un nouvel enfant à Marie-Antoinette, Joseph II se plaisait à mentionner l’idée d’épouser Élisabeth, ce qui lui permettrait de concrétiser lui-même l’héritage dynastique Bourbons-Habsbourg.

Ce qui laisse supposer que “l’inséminateur” devait être pris pour le comte d’Artois, c’est le fait que depuis le mariage de Marie-Antoinette, ce dernier s’attachait à lui créer une réputation de galanterie en se faisant passer pour son amant, mais ici c’est surtout le fait que le tableau est donné dans le  livret comme appartenant au marquis de Sérent, “gouverneur de Monseigneur le duc d’Angoulême”, le fils du comte d’Artois.

Enfin, en mettant en scène deux femmes enceintes, Louis XVI annonçait aussi sa volonté de réitérer le procédé auquel il avait eu recours lors de la naissance de Madame Royale : faire un enfant à sa maîtresse et l’échanger avec celui de la reine4.

Il ne manquait pas de prendre des précautions pour préparer le public à cette éventualité : d’une part en laissant penser que l’enfant de la reine était le fruit d’un adultère, comme on vient de le voir et d’autre part, en rappelant que c’est la reine elle-même qui avait encouragé le roi à prendre une maîtresse. C’est du moins ce dont témoigne la correspondance de l’ambassadeur d’Autriche Mercy-Argenteau, qui écrivait, le 19 novembre 1777, qu’il est arrivé que la reine dise : “qu’elle ne serait ni en peine ni bien fâchée que le roi prît quelque inclination momentanée et passagère, attendu qu’il pourrait acquérir de là plus de ressort et d’énergie.” De la même manière, Joseph II s’était complu à se moquer de son beau-frère en prétendant qu’il “ne savait pas décharger” et “qu’il faudrait le fouetter pour le faire décharger de colère comme les ânes.”5 On n’allait tout de même pas lui reprocher à présent d’avoir su si bien su décharger dans sa maîtresse.

Tout cela était synthétisé dans un autre tableau de Lagrenée du Salon de 1781 : Sara, femme d’Abraham, n’ayant point d’enfants, présente à ce patriarche sa servante Agar.

Louis-Jean François Lagrenée, Sara et Agar, huile sur toile, 1781, Collection Horvitz, Flickr/Thomas Hawk.

Louis XVI imputait ainsi à Marie-Antoinette la responsabilité d’avoir elle-même mis Marie-Philippine Lambriquet dans son lit.

  1. Voir billet précédent []
  2. Voir L’Intrigant p. 189-192 et ce billet []
  3. voir ce billet []
  4. Voir ce billet []
  5. Voir L’Intrigant, p. 147 et 149. []