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Un œil sur le Salon de 1817

La Restauration est une période qui n’intéresse que relativement peu de chercheurs et, de la même manière, les arts de la période suscitent un enthousiasme très modéré. Cependant, contrairement à ce que l’on pourrait penser, les productions artistiques du temps ne se contentaient pas de louer le régime. Bien au contraire, elles pouvaient, tout comme auparavant, en offrir une critique fine et le Salon de peinture et de sculpture est resté une scène sur laquelle s’exprimaient de fortes tensions politiques. Il faut dire que la famille royale semblait très divisée elle-même sur le bien-fondé d’un retour à la monarchie.

Un exemple de tableau polémique : l’Inquisition et la monarchie

Ainsi, au Salon de 1817, le comte de Forbin exposa un tableau intitulé Religieuse dans un souterrain de l’Inquisition ou Une scène de l’Inquisition, qui ne figura vraisemblablement au Salon que parce qu’il avait été commandé par le duc de Berry lui-même. Un compte rendu du Salon, Essai sur le Salon ou Examen critique des principaux ouvrages dont l’exposition se compose, en donne une description mais en la faisant précéder d’une explication visant à réprouver l’Inquisition pour mieux sauver le catholicisme : “La religion n’avait pas besoin de ce sanglant auxiliaire”, “les bûchers du Saint-Office ont fait plus de protestants que les prédications des réformateurs.” (p. 58).

Un autre compte rendu, par Charles-Paul Landon, Salon de 1817, recueil de morceaux choisis parmi les ouvrages de peinture et de sculpture exposés au Louvre, le 24 avril 1817 est plus hardi et va jusqu’à donner une reproduction de l’œuvre.

D’après Auguste de Forbin, Religieuse dans un souterrain de l’Inquisition ou Une scène de l’Inquisition, estampe extraite du recueil de Paul-Charles Landon, planche II, BNF Gallica.

La critique politique qu’elle comporte s’éclaircit facilement si l’on s’appuie sur le billet que j’ai consacré aux connotations politiques des vestales. En effet, Jean Raoux avait rapproché les vestales, gardiennes du feu sacré de l’Empire romain, et les religieuses, incarnation du vrai message christique face à une Église protectrice des puissants. Ici, Forbin réunit les deux images de la vestale (on vient de tirer la religieuse du souterrain où elle était enfermée) et de la religieuse afin de composer une allégorie de la révolution. La religieuse est liée au pilier d’une architecture d’inspiration romaine dont le chapiteau semble être orné de griffons. Elle apparaît comme une espèce de nouveau Christ souffrant au nom du projet politique avorté de Louis XVI.

Si la religieuse est le personnage central, l’inquisiteur qui lui fait face n’est pas non plus dénué d’intérêt et il est dommage que nous ne disposions pas du tableau original pour pouvoir mieux l’observer. Forbin le présente de profil et sur l’estampe, il a un air emprunté, les yeux cernés. Bref, il ne paraît pas enchanté par ce qu’il est en train d’accomplir. Pour parfaire le tout, il est doté d’un nez bourbonien. On peut donc voir dans ce tableau une représentation de ce que la Restauration a fait à la révolution et à l’image de Louis XVI : la révolution est torturée par un Louis XVI que l’on a déguisé en moine et que l’on a contraint à servir le catholicisme. Les deux personnages ont le regard tourné vers l’homme agenouillé. Désigné par les comptes rendus comme “un familier de l’Inquisition”, on explique qu’il tient le san benito qui doit coiffer la religieuse une fois qu’elle sera déclarée hors de communion. Cependant, ce qu’il tient ressemble surtout à une mitre qu’il presse sur son cœur. Bien qu’agenouillé, comme il est au centre des regards, c’est lui qui semble détenir le pouvoir sur les autres personnages et l’on peut donc y voir une représentation allégorisée de l’Église : affichant une attitude d’humilité, elle est en réalité avide d’un pouvoir qui ne recule pas devant l’usage de la torture.

Une autre version du tableau est connue par la gravure anglaise. On peut y remarquer des différences notables, ce qui rend encore plus clair l’aspect polémique de la première version.

Samuel William Reynolds, d’après Forbin, Une religieuse à l’Inquisition, estampe, vers 1825-1835, British Museum.

Cette fois, l’aspect romain de l’architecture est dilué par la suspension de tentures, le moine n’a plus aucun rapport avec Louis XVI et l’allégorie de l’Église a disparu au profit d’un musulman enchaîné. Bref, toute critique de la Restauration s’est évaporée et l’Inquisition apparaît seulement comme un abus regrettable dont ont pu être victimes les femmes et les adeptes d’autres religions.

Louis XVI et La Pérouse

La question du sort de Louis XVI était au cœur des tensions du Salon de 1817. Par conséquent, les tableaux qui représentaient ouvertement Louis XVI étaient des sujets d’autant plus sensibles. Parmi eux, il y avait Louis XVI donnant ses instructions à La Pérouse par Nicolas-André Monsiau.

Nicolas-André Monsiau, Louis XVI donnant ses instructions à La Pérouse, huile sur toile, 1817, château de Versailles, Wikimedia Commons.

A première vue, le tableau est sans danger. Il présente Louis XVI en amateur de sciences. Cependant, quand on y regarde de plus près, on est invité à penser aux transformations subies par le portrait du couple Lavoisier signé David. J’expliquais, dans ce billet, que l’on était passé d’un couple Lavoisier représenté en financeurs de la Révolution, à un couple Lavoisier uniquement féru de travaux scientifiques. Ici, on a bien un Louis XVI en homme des Lumières mais cette fois, les rappels de son apport à la Révolution n’ont pas été totalement gommés.

Ainsi le globe, élément effacé dans le portrait des Lavoisier, occupe ici la place centrale. S’il renvoie directement au plan du voyage de La Pérouse, il est aussi une évocation du caractère universel de la révolution envisagée par Louis XVI. C’est aussi un globe bien particulier puisqu’il est ornementé de cariatides ailées dont le bas du corps semble se terminer en patte de chèvre. C’est une chimère, qui est ailée comme la Victoire, est dotée d’un buste de femme nue et se termine en sirène/satyre. En résumé, on y retrouve tous les attributs de Françoise Boze : la Victoire évoquée dans le Jupiter d’Abildgaard1, les seins dénudés2 et la chèvre d’Amalthée3. D’emblée, La Pérouse est écarté. Ce n’est pas lui qui est au centre de la composition, c’est Françoise, et c’est devant elle qu’il s’incline. Lui a échoué à rendre la révolution universelle et c’est elle qui a réussi. Pour réussir, elle s’est appuyée sur l’Empire napoléonien, ce qui est signifié à plusieurs endroits de la toile : d’une part, c’est sur du vert Empire que se détache la mappemonde et, d’autre part, le mobilier est Empire, ce qui est très visible à travers le fauteuil sur lequel s’assoit Louis XVI.

Un buste d’Henri IV fait face à Louis XVI pour signifier que le projet mis en place au XVIIIè siècle était celui des Bourbons dès l’origine.

La toile veut enfin attirer notre attention sur le fait qu’il existe une politique apparente, celle de la carte largement déployée devant tout le monde, mais qu’il y a également des politiques secrètes. Ces politiques secrètes sont représentées, d’un côté, par le plan roulé sous la table, qui suggère que La Pérouse avait des instructions cachées, c’est-à-dire aider à fomenter des insurrections partout dans le monde avec l’aide de dessous-de-table. D’autre part, ces politiques secrètes sont également signifiées par le plan roulé à côté du tabouret et le dossier posé sur celui-ci. Il s’agit là de préciser l’objectif de ces politiques secrètes. Le tabouret est en effet doté de pieds rappelant les sièges curules, symboles de pouvoir à Rome. Le recours au secret était une nécessité pour que le roi et l’État puissent enfin retrouver, comme sous l’Empire romain, un pouvoir non disputé par l’Église.

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